VOLVER A CREACIÓN
ENTREVISTA CON EVA NAVARRO ..
Por Juan Carlos Pérez Jiménez
Muchos de tus últimos cuadros presentan grupos de personas a vista de pájaro. Parece que te has ido alejando del individuo y tomando una perspectiva cada vez mayor. ¿Cómo nos ves desde ahí arriba?
Muy parecidos los unos a los otros. Se pierden las diferencias. Desde arriba somos liliputienses siguiendo nuestro propio camino y haciendo lo que buenamente podemos.
¿Han tenido alguna influencia en tu obra los grupos humanos anónimos, vistos como hormigueros, de Juan Genovés? ¿Cuáles son tus influencias y tus preferencias en el arte?
Mi elección del punto de vista aéreo fue casual, me sorprendió cómo se veía todo desde arriba y me pise a pintarlo. Luego descubrí que mis cuadros recuerdan -conceptualmente- en algo a los de Genovés, siempre que me topo con alguno de sus cuadros me fijo mucho en ellos, me encantan, pero creo que queremos expresar cosas distintas .
A mí me influye todo lo que veo, voy con los ojos muy abiertos fijándome en la gente, la luz, los escenarios... y además intento ir siempre que puedo a museos, a galerías, al cine, a empaparme de arte, a ver si algo se me pega!
Los artistas que me gustan son muchísimos, por decir alguno: Vermeer, Hopper, Schiele, Freud... también contemporáneos como Stephen Conroy.
Tus obras son como instantáneas, momentos detenidos que parecen remitir a algo más intemporal ¿Buscas la expresión del instante que perdura o te interesa sobretodo el detalle pasajero?
No me interesa el momento preciso, sino las sensaciones, los pensamientos, el camino, el proceso, el tiempo...
El observador que es observado, el paseante urbano, el ciudadano anónimo... tu obra posee una rara cualidad contemporánea aunque tu técnica -óleo sobre lienzo- sea muy clásica. ¿De dónde crees que proviene?
En realidad mi técnica es acrílico sobre lienzo, y es del siglo XX. Y eso es sólo la parte final del proceso, porque antes de empezar uso la fotografía y diseño mis cuadros en el ordenador. Mi paleta no es nada
clásica tampoco, mis colores no los vas a encontrar en El Prado. Es mi manera de utilizar el pincel, de colocar el color, el dibujo... lo que es clásico. Yo me tomé en serio aprender a dibujar y a pintar, y me
gusta hacerlo bien. Son los temas los que son contemporáneos, porque reflejo preocupaciones de ahora, mediante personajes que reconoces por la calle hoy. Me encantaría ver cómo se perciben mis cuadros dentro de
cien o doscientos años.
Tú misma utilizas la fotografía como herramienta de trabajo previa a la pintura ¿Cómo ves esta relación?¿No crees que la pintura se está viendo sobrepasada por otros soportes de expresión artística?
No, no lo creo. Soportes distintos te provocan sensaciones distintas, válidas también, pero que no pueden sustituir a la pintura. La pintura la sentimos muy cercana, porque se ha pintado sin interrupción desde
que el hombre si hizo hombre, y porque de niños todos pintamos, aunque luego la mayoría deja de hacerlo de adulto.Entre los nuevos soportes me temo que hay mucha basura y tomadura de pelo, pero eso ya es otro tema, qué es arte y qué deja de serlo.
La fotografía puede llegar a sitios donde no llega la pintura y viceversa, ni avanzan en paralelo ni se molestan si se cruzan. Y también pueden llegar al mismo sitio con lenguajes formales absolutamente distintos.
¿Cómo planteas la evolución de tu obra? ¿Tienes un camino en mente, un objetivo que persigas para tu siguiente etapa?
Tengo más ideas en la cabeza que tiempo para pintarlas. Como mi técnica no es muy rápida -cada cuadro exige días o semanas de trabajo- me planteo que quizá debería cambiar de técnica, lo que no sé es cuándo voy a poder parar para aprender e investigar cosas nuevas.
Me pregunto hasta qué punto eres dueña de tu obra o en qué medida tiene vida propia y se impone a las decisiones del autor.
Si, algo de vida propia si tiene; a veces pinto cosas muy raras que ni yo misma acabo de entender y que jamás colgaría en mi casa- sin embargo, siento la necesidad de pintarlas y al final siempre hay alguien que se identifica con ese cuadro raro . Yo todavía hoy no entiendo del todo por qué pinto lo que pinto, ni siquiera sé muy bien por qué pinto!
A la hora de dar a conocer tu pintura ¿qué prefieres la difusión masiva de un medio de comunicación -como tus ilustraciones para el diario El País- o exponer en un museo, aunque llegue a menos público?
Hoy en día prefiero la difusión masiva, el museo lo dejo para cuando sea mayor.
En la tradición de la pintura española, destaca la fuerza de los retratos. ¿Consideras que tus obras recogen esa tradición?
En parte sí, supongo, yo he crecido viendo esa pintura. Pero mis retratos son en realidad antirretratos, lo que más me interesa es aquello que expresan que no tiene nada que ver con el parecido físico.
No son retratos de un individuo, sino de una idea, un sentimiento, una sensación. Quizá un día quite al muñeco y deje sólo la idea, el concepto... pero por ahora no me veo capaz de expresarme sin utilizar la figura humana como medio.
Muchos de los personajes de tus cuadros ocultan deliberadamente sus rostros y a pesar de eso se les reconoce ¿Intentas ocultar la identidad individual para convertirlos en arquetipos?
Es que no me interesa la identidad individual, no quiero pintar caras porque distraen la atención, no me ayudan a decir lo que quiero ni al espectador a entenderlo. Pero no pretendo que mis personajes sean arquetipos ni sean nada, son gente cualquiera que pillo por ahí y que utilizo para expresar distintas cosas.
¿Te planteas la mirada frontal?
Por ahora, NO. El día que decida que la expresión de la cara o el parecido va a aportar algo al cuadro, lo haré.
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